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Pubblicazione di "L'ordine" del 10 Febbraio 2019

Voici, sous la forme apparente d’un journal intime, un texte sidéral, surgi d’un monde galactique, un poudroiement d’étoiles, une queue de comète qui est aussi, en soi, une cosmogonie entière et irréductible.

Cela n’a rien d’une notation circonstanciée des travaux et des jours. Ce sont les trajets, les heurts, pointes, percées, embardées et fulgurations d’une âme. Mais une âme si singulière qu’elle génère non pas seulement sa propre langue mais aussi un mode de pensée unique et insubstituable.

Avec Maria Gabriela Llansol, on n’est jamais ni en terrain conquis ni même en terrain familier. On va de décrochage en décrochage, on est projeté dans un paysage stellaire, post apocalyptique.

Dans cet écheveau complexe, rien de canonique ou de convenu même quand il est question de choses apparemment familières ou quotidiennes. Mais ce qui frappe, précisément, c’est que, dans le sillage de Maria Gabriela Llansol, rien n’est jamais canonique ou quotidien. Il n’y a rien de commun. Tout ce qui tombe dans son escarcelle est d’emblée déporté, frappé d’étrangeté, appréhendé de façon, non pas seulement oblique ou transversale, mais court-circuitée, presque somnambulique et hallucinée. On a là à faire à une pensée radicalement autre, une pensée déroutée, détourée et plus que déroutante qui jamais n’emprunte aucune voie éprouvée.

Ainsi, Maria Gabriela Llansol rapporte ce qu’elle a confié au romancier Vergilio Ferreira au cours de l’un de leurs nombreux échanges  :

«  Quelles sont les quatre confidences dont vous avez parlé  »

«  Je vais vous le dire brièvement, et après je veux aller avec vous dans un autre endroit du monde où écrire le texte, c’est le danser au rythme de sa fragilité et beauté.

La première confidence

C’est que nous ne sommes rien ----------- («  Ne soyez pas agacé  »). Le moi en tant que nom n’est rien. Il y a un lien d’esclavage.

La deuxième confidence

C’est que nos actes, même la transhumance ou la transplantation du bleu du vase, sont moins importants que nous. Il y a un tourbillon d’intensités qui nous appellent  : ce sont les anges de Rilke, ou les légions de chérubins évanescents de Walter Benjamin.

La troisième confidence

C’est qu’il n’y a pas de contemporains, mais des liens d’absences présentes  ; il y a un anneau de fuite. En pratique, c’est une scène infinie – le lieu où nous sommes des figures.

La quatrième confidence

Concerne le désir et le rejet d’identité. Il y a un lieu édénique («  Non, ne dites rien  »). De fait, on nous a donné un nom, le nom par lequel on nous appelle, mais ce n’est pas un nom consistant – c’est un verbe.

Notre verbe, par exemple, c’est écrire.  »

Tout est inusité, tout procède d’une pensée plus que cavalière  : bondissante et farfadesque.

Il ne s’agit pas pour autant d’une fugue ou d’une balade ludique mais d’une quête, littéraire et spirituelle, marquée du sceau de la plus haute exigence. Et l’exigence est d’autant plus haute que la quête est menée hors de toute voie tracée et praticable.

Maria Gabriela Llansol invente, en effet, à mesure, et sa langue et les figures qu’elle désigne. Elle mêle et place sur le même plan ses contemporains vivants, «  réels  » (Vergilio Ferreira, Augusto son compagnon et d’autres) et ses contemporains perpétuels, ceux qui constituent, autour d’elle, une bruissante, vibrante communauté d’âme et avec qui elle entretient un dialogue ininterrompu  : Hadewijch, Pessoa, Eckart, Saint Jean de la Croix, Nietzsche…

Dans l’orbe de Maria Gabriela Llansol, la création littéraire atteint une dimension mystique et diffuse une clarté étrange, confuse et cependant acérée, aveuglante. On est face à quelque chose de radicalement inédit  : la création d’une abstraction sensible.

C’est quelque chose qui ne ressemble pas et dont la déconcertante beauté laisse interdit.

BH 12/13


Article de Nicole Hirsch-Klopfenstein, in Vevey-Hebdo, 12 novembre 2010

extrait

“(…) Ulrike convie ses lecteurs à un voyage onirique hors du temps, s’évadant de la réalité, appelant la nature, le vol d’un oiseau ou la douceur d’une rose à une vie de l’intérieur. Le fracas du train de quatre heures, le souvenir de Ronsard sont prétextes à saisir la réalité du monde et servent en même temps à s’en échapper. Superbes sont les deux portraits de Bernard Blatter vus Par Ostovani, l’un déjà brouillé par la mort, l’autre lui rendant l’éclat du regard et la vérité de l’expression. Bouleversant de pudeur, et de tendresse, le poème intitulé Portrait, un aveu, une déclaration d’amour pour l’homme qui est dans mon cœur et m’attendra aussi au cœur du grand Cœur”

Les visions et les histoires de la peinture d’Emilio Tadini nous ont accompagnés depuis le début  : Emilio nous a suggéré la couverture de la revue «  libretto  » et le titre de la collection française «  ciel vague  », correspondant aux «  sintomi  » italiens.

A présent, l’amour pour nos pages d’art est cultivé en compagnie de Carolina Leite  : du Tessin à Paris, la discussion est féconde. L’aventure éditoriale continue, guidée par le bon sens de Raffaele La Capria et par «  la mano che pensa» de Valerio Adami, à travers les «  atelier  » de l’écriture nomade de Paul Nizon, à l’écoute de «  cartavoce  » de Ruggero Savinio, du «  disegno e la voce  » de Yves Bonnefoy. Parmi les livres spéciaux de Pagine d’Arte, on peut lire une invitation à réfléchir sur le thème de l’identité à travers les écrits sur le fédéralisme culturel de Denis de Rougemont, et sur le sens de la traduction de Silvia Baron Supervielle. Pour clore en beauté, il faut goûter l’ancienne «  sapore del mondo  » de Shitao.

Ingres, Daumier : les chevalets du ciel
«Un peu d’encres sur du papier à deux sous : jusqu’à l’arrivée des lithographies de Daumier dans Le Charivari, le dessin de presse était un art mineur.

A la force du pinceau et de la plume, sans courbettes ni concessions, le caricaturiste a acquis la respectabilité, même auprès des conservateurs qui l’ont méprisé. Insolent, mauvais sujet irréductible qui a refusé la Légion d’honneur sous la IIIe République, son respect de l’ordre anatomique excuse son irrespect de l’ordre social,explique Michel Melot, dans ce livre illustré, aux commentaires piquants. L’auteur rappelle ce prodige inexplicable : Daumier ne dessinait jamais d’après nature. Visages et décors étaient tracés de mémoire. Artiste politique, Daumier résume à sa façon l’histoire de cette république bâtie par une minorité agissante, non par la bombe et le complot, mais , dans son cas, par la plume et le papier journal. La liberté de la presse ne s’use que si on ne dessine pas. »

Frédéric Pagès
Canard enchaïné

Lettre de Christian Bobin adressée à Ulrike Blatter, 2013 : 

Chère Ulrike Blatter,
Merci pour ce beau livre – beau parce que droit sorti de votre cœur comme la lame d’un couteau. Vous avez raison : la vie, bonne fille, nous propose sans cesse des secours, nous envoie des mots qu’il suffit de déplier pour que la lumière revienne.

Merci. Amicalement,
Christian Bobin.

«Maria Gabriela Llansol (1931-2008) n’est pas encore vraiment reconnue hors du Portugal,il faut donc louer la tentative ambitieuse des éditions Pagine d’Arte qui se sont lancées dans la diffusion de son œuvre. Finita se présente comme le journal de Llansol, de 1974 à 1977., lors de son exil en Belgique. Mais parler de journal reste imprécis : non seulement faits et anecdotes sont presque absents mais surtout il s’agit d’un texte ouvert à diverses formes.

Par exemple, les auteurs lus (philosophes et mystiques avant tout) deviennent de véritables personnages, dialoguant entre eux ou avec Llansol et ses proches. De même, les notes sur la nature appellent des réflexions sur les textes écrits parallèlement au journal. Ni laboratoire de l’ œuvre, ni délassement en marge des jours, finita est une tentative, décentrée, pour développer une pratique de l’écriture sans cesse en train de questionner les frontières du champ littéraire. » 

Mathias Lavin Cahier critique de poésie

l’enfer de Fautrier

«Une œuvre, de grand empan. Yves Peyré est l’auteur de poèmes, de récits, d’essais. Plus de vingt. Il a dirigé la Bibliothèque littéraire Jacques Doucet. Il est maintenant à la tête de la Bibliothèque Sainte-Geneviève, dont il a suivi la résurrection de la façade qui, souvent décriée, reprend sens dans le dialogue, pensé par l’architecte Henri Labrouste, entre l’intérieur et l’extérieur.

Le dialogue par le livre ce fut, en 2000, le titre d’un ouvrage sur la rencontre entre la peinture et la poésie. Fautrier, à qui Yves Peyré a consacré une monographie essentielle, a pensé pendant des années un dialogue avec Dante. C’est de cette rencontre espérée et avortée que nous avons à présent l’analyse minutieuse : un livre qui vise et atteint le mouvement créatif du peintre. »

plis et déplis

« Fautrier compose un dialogue avec les 34 chants du poème. Il passe de l’eau-forte à la lithographie. Un magma, juge Gallimard insensible aux opacités, aux violences de ces œuvres. Le livre n’a donc pas été réalisé. Le dialogue n’a pas eu lieu. Restent, reproduites ici au mieux, les 34 planches. Presques toutes appartiennent à la famille de Malraux.

Nous les avons sous les yeux. Outre la documentation et les analyses d’Yves Peyré, un autre pli, sa réponse, en poète, aux Port-Cros de Fautrier : Dans le vent (…) parfois, tout est plus sombre et s’éprend du pire, l’impénétrable oscille. »

Georges Raillard
La Quinzaine littéraire

«Les éditions Pagine d’Arte viennent de republier dans un élégant petit ouvrage la suite de gravures sur bois de Frans Masereel histoire sans paroles  (1933) avec sa préface de Max Brod et sa postface de Hermann Hesse. Masereel, longtemps méconnu des amateurs français, est plus célèbre en Allemagne et en Chine, où il séjourna, qu’en France.

Il est l’objet d’un nouvel intérêt comme en témoigne l’article qui va suivre. Son style s’inscrit clairement dans l’expressionnisme plus que dans la tradition française (si ce n’est les rares gravures sur bois de Vlaminck). Son retour est peut-être dû simplement à l’apparentement de ces suites en noir et blanc, baptisées  roman graphique, à la mode des mangas et des feuilletons dessinés au style volontairement rude, comme taillé à la hache, aux compositions et aux contrastes puissamment travaillés. Ses positions politiques ne l’ont plus servi à une époque où l’art moderne devait se tenir à distance de tout engagement trop explicite...»

Michel Melot
Nouvelles de l’estampe

«Les éditions Pagine d’Arte ont eu l’excellente idée de publier un choix de pages des carnets de Paul Valéry : cela donne un livre à la fois beau et intellectuellement très stimulant. Poète, essayiste, philosophe nourri de mathématiques mais n’oubliant jamais l’art, amateur surtout de peinture – ses deux peintres majeurs étant Léonard de Vinci et Degas -  acquarelliste passable,

Paul Valéry (1871-1945) a été un de ces esprits beaucoup trop rares qui refusent le spécialisations et tentent d’atteindre une (pas si) utopique universalité. Dans ses cahiers (des milliers de pages), où il notait ses pensées à l’état naissant, il essayait souvent de reconstituer par des aquarelles rapides les paysages, les intérieurs ou les personnes qu’il avait devant les yeux. Cela donne des associations d’écriture et de peinture qui ont le charme de ces cartes postales du début du XXe siècle sur le recto imagé desquelles on n’hésitait pas à écrire. »

Étienne Cornevin
Cahier critique de poésie

Emilio Tadini. parole&figure

catalogo l'anima del segno.

Hartung / Cavalli / Strazza

Emilio Tadini. Parole&figure

alcuni articoli in merito alla presenza di Pagine d'Arte al Salone di Torino

Diversi articoli apparsi recentemente sulla stampa italiana e svizzera italiana

De quel genre relève-t-il, ce livre à part, poétique, mystique et métaphysique, écrit par une femme-fenêtre ouverte sur l'infini, dont l'unique dessein était de « regarder dans le regard du regard sans fin » ? Seules les dates, consignées en tête de chapitre, justifient l'appellation de journal. Elles sont immanquablement suivies d'un très long trait de crayon, comme une ficelle sur laquelle les mots viennent s'enfiler en perles cassées, tour à tour mates et brillantes, bris de pensées acérées fourmillant dans la tête de Maria Gabriela Llansol (1931-2008).

Qui est cette femme dont une photo montre le visage de madone, penchée sur son manuscrit, à la fois prostrée et dévolue à son art, craintive et souveraine ? L'incarnation de l'hirondelle, qu'elle décrit comme « la trilogie du beau, de la pensée et du vivant, qui cache en soi un effroyable »... Une de ces pépites enfouies dans la terre de l'oubli, que les éditions Pagine d'Arte ont pris la belle initiative d'exhumer.
Entrer dans son écriture demande de lâcher prise, de perdre raison pour extraire de l'esprit une puissance qui mène à l'élévation. Sous l'incohérence, l'exigence. A l'origine du tournoiement, une très grande stabilité. De cette collision d'images qu'elle subit et recherche jaillit une multitude de pistes de réflexion. Maria Gabriela Llansol n'écrit pas seule, elle cherche la réponse dans les yeux du lecteur, consciente des traces « ineffaçables » que laissent ses mots sur les rétines. Elle avoue avoir deux corps : le sien, le nôtre. Cette sensation de partage permanent, de croisement des lignes, de transmission de pensée, crée un attachement indéfectible. Réjouissance suprême : des retrouvailles sont prévues en 2014, avec la parution d'Où vas-tu, drame poésie ?

«Critico d’arte, saggista, traduttore in francese di grandi autori inglesi come Shakespeare e Keats, Yves Bonnefoy è innanzitutto un poeta. Nelle sue Osservazioni sul disegno sceglie perciò di partire dal paragone con ciò che conosce meglio. La poesia, scrive, è il punto in cui la parola viene a contatto con ciò che non può dire.

E come nella parola può risiedere la poesia, in punta di matita, il disegno. Michelangelo disegnava per capire la muscolatura dell’efebo, Degas le posture della ballerina. Disegnavano per comprendere, perchè il disegno è frutto di  una precisione dello sguardo che si apparenta a quella del pensiero . È capace di afferrare quello che non conosce. Senza pretendere di svelarlo, cattura il mistero della realtà. Disegnare non è tanto precisare dei contorni, esprimerne la verità, quanto arrischiarsi nel biancore del foglio, ritrovando l’unità piena con il reale da cui quasi tutte le parole e le immagini inesorabilmente ci allontanano. Forse è proprio per questo che Giacometti diceva il disegno è tutto ».

Arte

« Proprio la bellezza, uno dei cardini della poetica di La Capria, e simbolo dell’ideale di eternità, a sua volta intrinsecamente connesso all’eternità degli elementi naturali, consente l’abbandono : in fondo Capri c’è stata prima di lui e ci sarà dopo di lui. Lui già conosce come saranno i pomeriggi e i crepuscoli che si avvicenderanno dopo di lui, persino noiosi e vuoti, e sull’onda di questa certezza può saturarsi dell’amata fino a rifiutarla.

Capri e non più Capri  è il libro di un uomo appassionato e viziato, esteta ed intellettuale (se mai questo potesse essere un ossimoro), sazio e insoddisfatto, depresso e pieno di vita e ci consegna un autoritratto intenso e complesso, in cui la prosa risente dei riferimenti, di rimembranze e di confronti, di rapidissime comparazioni e di prolungate descrizioni. Il pensiero in La Capria ha un moto spontaneo, umorale, perennemente zampillante, che evade la linearità della riflessione per saggiare gli scarti che l’analogia consente arricchendo visione e percezione insieme.

Così ora per noi  Capri è sempre Capri  anche grazie a Raffaele La Capria.»

Rosa Pierno

«Oggigiorno la bellezza, scrive Raffaele La Capria, è considerata roba da esteti o da privilegiati, gente forse in grado di apprezzarla, certo con il tempo e i mezzi per goderla. Non è democratica, in fondo nemmeno necessaria. E quando se ne parla, lo diceva Balthus, “si è subito sospettati di kitsch”. Eppure l’incontro con la bellezza è un avvenimento che ciascuno in cuor suo riconosce senza ombra di dubbio.

“L’ho vista esplodere stridente in un Kandinskij, squillare festosa in un Mirò, l’ho letta tra le righe di un ascetico e asettico Mondrian e l’ho perfino vista lampeggiare nel ghigno terrificante di uno dei mostri di Bacon”. A questa presenza misteriosa, all’ideale che torna a emergere anche quando la sua fine è stata da più parti sentenziata, lo scrittore e sceneggiatore partenopeo dedica La nostalgia della bellezza (Pagine d’Arte, 56 pagg., € 12), provando a spiegare l’origine della sua frequente e teorizzata assenza nell’arte contemporanea.»

Arte

«Certo, a sfogliare il bel libro Éloge de Daumier, confezionato con  la solita cura e invenzione grafica da Pagine d’Arte, si è subito rapiti dall’equilibrio e dalla forza drammatica che attraversano  l‘opera dell’artista: difficile accomunarlo ad altri disegnatori satirici. La giusta affermazione del curatore, il conservatore e storico dell’arte parigino Michel Melot, definisce splendidamente le tensioni contrapposte alla base del suo lavoro artistico

: il suo disegno eccessivo è sempre irreprensibile. Agli occhi di chi ama l’arte classica, il suo rispetto dell’armonia anatomica scusa il suo poco rispetto per l’ordine sociale. Per gli altri, è il contrario.L’attenzione al dettaglio è evidenziata da Michel Melot, già nel suo testo Breve storia dell’immagine (sempre edito da Pagine d’Arte, nella collana in italiano Sintomi), in cui l’opera di Daumier diventa l’espressione del nuovo: le sue satire saranno il primo caso di litografie inserite in un giornale. Seguendo la via dell’innovazione, in poco più che un centinaio di pagine, lo storico francese Melot ci accompagna in un viaggio straordinario all’origine della parola immagine e delle sue declinazioni nel passare del tempo. Dagli idoli alle icone, dalle reliquie ai quadri, dalla stampa alla fotografia, per arrivare al cinema e alla società dell’immagine. Riprendendo le parole di Régis Debray, l’autore chiude il suo excursus sulla videosfera contemporanea, in cui siamo immersi. L’uomo contemporaneo vive uno sdoppiamento della realtà che assume le diverse sembianze di simulacro, maschera e immagine di carne (i tatuaggi che ricoprono i corpi dei ragazzi). Lo studio, che organizza in maniera magistrale le questioni fondamentali tra tecnica e filosofia, è consigliabile a tutti coloro che volessero comprendere qualcosa di più sul senso profondo delle immagini e sulle diverse valenze assunte nel tempo…»

Daniela Persico
Giornale del Popolo

«Nel 1981, l’Associazione amici dei musei del Canton Ticino incarica Rosanna Carloni, studiosa d’arte, di avviare una piccola pubblicazione trimestrale che qualifichi la società pubblicando scritti d’arte moderna e contemporanea.

Nasce da quell’occasione, e dall’immediato coivolgimento nel progetto di un giovane critico di nome Matteo Bianchi, la storia delle edizioni Pagine d’arte(www.paginedarte.ch), che oggi hanno 27 anni e che nel loro catalogo, oltre a quella rivista che non ha mai smesso di uscire (anche se oggi il Libretto è un semestrale), contano decine di titoli tra cataloghi di mostre, volumi legati all’attività del Museo Villa dei Cedri di Bellinzona , saggi, monografie. Dopo anni di tranquilla navigazione nell’area svizzero-lombarda, Pagine d’arte si affaccia oggi sul mercato francese, al quale si rivolge attraverso i saggi d’arte moderna e contemporanea della collana Ciel vague e cataloghi come il recente Christian Bonnefoi – Collage che ha accompagnato l’omonima mostra al Centre Pompidou di Parigi. Tra le ultime uscite in italiano, nella collana Sintomi, una Breve storia dell’arte contemporanea di Camille Saint-Jacques una Breve storia dell’immagine di Michel Melot (150pagg., € 16) e la riedizione a cura di Luca Quattrocchi di un importante testo teorico sull’Art nouveau di Émile Gallé, dal titolo La decorazione simbolica e altri scritti per l’arte. »

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